Артём Гришин про фотографию

90-е годы стали по-настоящему поворотным моментом в истории фэшн-фотографии. Это не просто очередное «десятилетие» в моде — это время, когда фотографии перестали быть одними только рекламными инструментами и превратились в культурные артефакты, отражающие дух эпохи, полноценный художественный язык и социальные ценности своего времени. Эдиториал Vogue, Эмбер Валлетта, Бриджит Холл, Кристи Тарлингтон, 1993 год Кампейн Perry Ellis For Men 1999, Эстелла Уоррен, Джорджина Гренвилл, Рэйчел Робертс, фотограф Брюс Вебер В начале десятилетия мода всё ещё носила отпечаток 80-х: высокий глянец, постановочные образы, насыщенные цвета и идеализированные формы. Кампейн Blumarine 1999, Vogue Italia, фотограф Тим Уокер Кампейн Blumarine 1999, Vogue Italia, фотограф Тим Уокер К середине 90-х произошло то, что сегодня называют переломом визуальной эстетики: на первый план вышли честность, непосредственность и близость к реальной жизни. Эдиториал Hot Shots, Vogue UK, Эрин Каммингс, Рея Дарем, фотограф А

Творчество Питера Лика почти всегда вызывает полярные реакции. Для одних он — символ коммерческого успеха и визуального максимализма, для других — фотограф, который сознательно работает на грани между искусством и зрелищем. Но именно эта пограничность делает его феноменом, который невозможно игнорировать, если вы профессионально занимаетесь фотографией и хотите понять, как создаются изображения, которые миллионы людей готовы рассматривать снова и снова. Эта статья — не про хайп и не про цены на отпечатки. Она про визуальное мышление, дисциплину взгляда и осознанную работу с ландшафтом как сценой. Коротко о пути: от серфинга к тотальному контролю кадра Питер Лик родился в Австралии и пришёл в фотографию не через академию, а через наблюдение. Его первые съёмки — это океан, берег, свет на воде. В 1980–1990-х он много путешествует, снимает дикую природу Австралии, а затем переезжает в США, где его интерес постепенно смещается к монументальному пейзажу — пустыням, каньонам, лесам, местам,

В художественной фотографии очень редки авторы, чья визуальная практика развивается от идеи к идее, но остаётся при этом последовательной, глубокой и концептуально зрелой. Осаму Йоконами — именно такой автор. Его творчество — не набор красивых картин, а поиск философских смыслов в человеческом существовании, отражённых через коллектив и его отношения с природой, силой группы и вопросами индивидуальности. Osamu Yokonami: Kumo (Copyright © Osamu Yokonami and Libraryman, 2020) Язык образов: коллектив вместо личности Одной из центральных тем Йоконами является анонимность человека в коллективе и сила группы, которая может преодолеть отдельное индивидуальное существование. Он выстраивает свои серии вокруг групп людей, одетых в одинаковую одежду, часто без лиц, смотрящих в камеру, — это не только визуальный приём, но и способ поставить под вопрос традиционную модель портрета, где индивидуальность имеет первостепенное значение. Osamu Yokonami: Kumo (Copyright © Osamu Yokonami and Librarym

Имя Эдварда Стейхена (Штайхена) занимает особое место в истории фотографии XX века. Он был не просто выдающимся автором, но и стратегом, теоретиком, куратором, человеком, который последовательно и настойчиво добивался признания фотографии как самостоятельного вида искусства. Не случайно именно ему принадлежит формула, ставшая своего рода манифестом профессии: «Миссия фотографии — объяснять человека человеку и каждого — самому себе». Краткая биография и путь Стейхен родился в 1879 году в Люксембурге, но вырос в США. Его художественное образование формировалось на стыке живописи и фотографии, что напрямую повлияло на ранний период творчества. В начале карьеры он тяготел к пикториализму: мягкий фокус, сложная печать, активная ретушь, стремление приблизить фотографию к живописному полотну. Эти работы обеспечили ему ранний успех и внимание художественной среды, но сам Стейхен не воспринимал этот этап как окончательный. Одна из ключевых заслуг Стейхена — его вклад в институциональное при

Есть модная фотография, созданная для витрин, и есть другая — та, что появляется будто случайно, резким светом, неловким жестом, взглядом в камеру без просьбы «быть красивой». Именно такие снимки со временем оказываются самыми живыми и самыми редкими. Эта статья — о бунтарской, негламурной фэшн-фотографии, которая отказалась от идеала. Здесь нет безупречной ретуши, выверенных поз и стерильной красоты. Зато есть вспышка «в лоб», зерно, пересветы, усталые лица, странные ракурсы и ощущение, что фотограф оказался внутри чужой жизни — без разрешения, но по праву. Для Vogue, май, 2021 год. Фотограф Эмми Америка Кейт Мосс. Фотограф Юрген Таллер Gucci, рекламная кампания весна-лето 2020 года. Фотограф Йоргос Лантимос Когда мода перестала притворяться В какой-то момент индустрия моды устала играть в совершенство. Идеальные тела, гладкая кожа, одинаковые эмоции — всё это начало выглядеть фальшиво. Ответом стала новая визуальная этика: мода без макияжа, без дистанции, без оправданий. Фотограф

Киноафиша — это всегда больше, чем реклама фильма. Это сжатый визуальный манифест эпохи, способ одним кадром зафиксировать ожидания зрителя, настроение времени и язык кино. Если посмотреть на историю киноафиш целиком, девяностые годы особенно выделяются: именно в этот период плакат перестаёт быть просто анонсом и окончательно превращается в самодостаточный визуальный объект, который изучают, коллекционируют и выставляют. Сегодня покажу вам подборку выразительных киноафиш последнего десятилетия ХХ века, в которых сходятся история дизайна, фотография, киноязык и социокультурный контекст. Большие Надежды (Great Expectations, 1998), режиссёр Альфонсо Куарон, американский постер к фильму, автор Франческо Клементе, 1998 год Бойцовский клуб (Fight Club, 1999), режиссёр Дэвид Финчер, американский постер к фильму Краткая история киноафиши: от рисунка к фотографии Первые киноафиши начала XX века были почти полностью иллюстративными. Художники создавали образы, которые не столько отражали конкрет

В мире модной фотографии, где громкость часто подменяет глубину, имя Микаэля Янссона стоит особняком. Его работы узнаваемы мгновенно, но при этом лишены демонстративной эффектности. В них нет стремления шокировать или провоцировать — напротив, Янссон последовательно и почти упрямо исследует естественное состояние человека, его телесность, уязвимость и внутреннюю силу. Его фотография выглядит смело, но не агрессивно; откровенно, но не вызывающе. Это редкое качество, которое формировалось десятилетиями — и напрямую связано как с биографией фотографа, так и с его выбором художественного пути. Микаэль Янссон родился и вырос в Швеции — стране, где природа, пространство и тишина формируют особый тип взгляда. Свой первый фотоаппарат он получил в 11 лет, а уже к 16 годам превратил обычный шкаф в домашнюю фотолабораторию. Подростком он с азартом снимал музыкантов, приезжавших в Стокгольм: Игги Попа, Blondie, Чета Бейкера, Майлза Дэвиса. Янссон рано понял, что фотография — это не только тех

Фотографии National Geographic давно стали визуальным эквивалентом знания: через них мир учился видеть планету шире, глубже и точнее. Но за пределами знаменитых обложек и культовых репортажей существует другой, почти невидимый слой истории — архивы. Кадры, которые по разным причинам не были опубликованы, но от этого не стали менее значимыми. Женщина в наряде китайской богини позирует в саду в Калифорнии, 1915. Фото: Франклин Прайс Нотт Именно к этому пласту визуальной памяти и обратился проект Found, запущенный в 2013 году к 125-летию журнала. Его идея проста и одновременно принципиальна: вернуть фотографиям жизнь, позволить им снова говорить — уже с новой дистанции времени. Белый олень в лесу Швейцарии, 1973. Фото: Джеймс П. Блэр Котёнок на водяной лилии Виктория в Филиппинах, 1935 год. Фото: Альфред Т. Палмер Архив как живой организм В профессиональной фотографии архив — это не склад, а форма мышления. National Geographic на протяжении более чем века формировал один из самых масштабн

Мэри Эллен Марк пришла в фотографию в конце 1960-х — в момент, когда документальный язык требовал не столько эффектности, сколько человеческой глубины. Она рано поняла, что её интересует не внешняя сторона событий, а то, что происходит по ту сторону официального действия: между дублями, за закрытыми дверями, вне рамок публичных ролей. Марлон Брандо и фотограф Мэри Эллен Марк во время съемок фильма «Апокалипсис сегодня» (Фрэнсис Форд Коппола, 1979). На протяжении почти сорока лет Марк работала на съёмочных площадках крупнейших режиссёров своего времени — от Francis Ford Coppola до Federico Fellini и Milos Forman. Она снимала кино не как гламурную индустрию, а как сложный, уязвимый процесс, где каждый участник — живой человек, а не функция. Актриса Кэндис Берген и французский режиссер Луи Малле на свадьбе. Луганьяк, Франция, 1980 г. Актер Кристофер Рив с женой Даной, Нью-Йорк, США, 1999 г. Работа в кино дала ей не только доступ к легендарным персонажам, но и редкую профессиональную школу